Archiv: Rezensionen zu Literatur und Film

Freitag, 26. März 2021

Rezension: Der große Sommer (Ewald Arenz)

 





Deutschland 2021


Der große Sommer
Autor: Ewald Arenz
Veröffentlichung: 26.03.2021
Genre: Coming of Age Roman
Format: Hardcover, E-Book


"Ich war in einger ganz eigenen Stimmung, wie ich sie vorher noch nicht erlebt hatte. Die halbe Nacht hatte ich an Beate gedacht und war früh aufgestanden. Dann die Urlaubsaufregung der anderen, ihre Abfahrt und ich allein an diesem ersten Ferienmorgen. Es war ein Gefühl wie ... als wäre man ein Instrument, das gestimmt wurde. Sechs Saiten. Aufregung. Verliebtheit. Angst vor dem Sommer. Freude am Sommer. Sich bei Nana zu Hause fühlen. Sich in Großvaters Haus verloren fühlen. Die Töne stimmten noch nicht. Aber da drin geschah irgendwas. Ich hörte Nana weiter zu."


Ich denke, ob bewusst oder unbewusst, waren wir alle schon einmal nach ihnen auf der Suche. Entweder nach der Murakami-Frau (oder Mann) oder aber diesen einen perfekten Sommer. Oder auf der Suche nach beidem. Das eine schließt das andere nicht aus denn dieser eine große Sommer ist eigentlich immer mit der ersten großen Liebe verbunden. Dieser einzigartigen Verliebtheit, die einen um den Schlaf bringt. Ich muss nur den Titel des neuen Romans von Ewald Arenz verinnerlichen: "Der große Sommer". Ich gehe tief in mich und muss überlegen, ihn je erlebt zu haben. Meine Generation kann man wohl als Zwischending ansehen. Geboren 1987 bin ich weder ein Kind der 80er, aber auch kein richtiges Kind der 90er. Leute, die am Ende eines Jahrzehnts geboren werden durchleben irgendwie alles und nichts. In dem Sinne sehe ich mich als Zwischending wo Technik wie Handys und das Internet langsam anfingen, das Leben der Menschen zu beeinflussen. Aber Sommer für mich noch immer bedeute, draußen eine gute Zeit mit Freunden zu haben. Und mit etwas Glück mit Mädchen über Dinge zu quatschen, die nicht in typisches "Ihr Jungs seid so doof" ausarteten. Der Protagonist in "Der große Sommer" muss sich mit zumindest mit der Technik noch nicht befassen. Friedrich (von seinen Freunden Frieder genannt) ist 16 Jahre alt und die Geschichte spielt zu Beginn der 80er. Da waren Begriffe wie Handys und Internet in Deutschland noch sehr weit entfernt. Aber mit 16 hatte man auch in den 80ern halt andere Probleme und vermutlich war man damals noch mehr als heute auf der Suche nach diesem einzigartigen, einmaligen Sommer und der ersten großen Liebe.

Der große deutsche Coming of Age Roman ist in der heutigen Zeit nicht mehr ganz so präsent. Die meisten Stories dieser Art bei neueren Romanen haben zu häufig auch noch historische Bezüge und die Teenager-Probleme des Protagonisten, seine Sorgen, Ängste und Gefühle sind dabei dann eher zweitrangig. Eine Rückkehr zu diesem klassischen Coming of Age Roman, wo wir als Leser zurück in unsere eigene Jugend katapultiert werden, weil wir uns, in welcher weise auch immer, mit den Figuren im Buch verbunden fühlen, ist Ewald Arenz hier mit absoluter Brillanz gelungen. Arenz, 1965 geboren (und wenn ich mich zurecht zurückerinnere, das gleiche Jahr, in dem auch der Protagonist in seinem neusten Roman geboren ist), gilt zumindest als Schriftsteller (denn er ist auch noch als Bühnenautor für das Theater aktiv) trotz all der Erfolge bei vielen Lesern noch als Geheimtipp, obwohl der Lehrer aus dem Süden Deutschlands eine mehr als beachtliche Vita vorzuweisen hat. Ich selbst bin erst durch den zuletzt veröffentlichten Roman "Alte Sorten" (2019) auf ihn aufmerksam geworden. Und ganz selten vermochte es ein deutschsprachiger Autor bisher, mich so sehr von seinem Schreibstil einfangen zu lassen. Wer meinen Blog verfolgt, der weiß, ich befasse mich hier zum größten Teil mit Literatur aus dem asiatischem Raum. Aber in den vergangenen Jahren haben es auch immer wieder sehr gelungene Romane aus dem Raum Deutschland/Schweiz zu mir geschafft.

Die Geschichte selbst ist schnell erklärt und sie kommt auch enorm schnell zum Punkt. Statt Sommerferien steht lernen an. Frieder muss zu den Nachprüfungen und da er schon einmal zuvor sitzengeblieben ist, ist dies seine letzte Chance auf einen Schulabschluss. Die Eltern der Großfamilie beschließen: Frieder bleibt diesen Sommer bei den Großeltern und lernt dort für die Nachprüfungen. Ebenfalls daheim bleibt Frieders Schwester Alma, die ein Praktikum absolvieren muss. Doch ist das nicht schon schlimm genug für einen Teenager, ist der neue Nachhilfelehrer ausgerechnet der unnahbare Großvater, ein hochrangiger Professor in der Bakteriologie. Der Großvater ist der Stiefvater der Mutter und bewandert auf seinen Gebieten, menschlich gesehen wirkt der Großvater aber eher wie ein Eisblock. Bis vor einiger Zeit mussten sowohl seine Stieftochter wie auch all seine Enkelkinder ihn noch siezen. Als sich Frieder dann auch noch in die extrovertierte Beate verliebt, gerät sein Hormonhaushalt komplett durcheinander. Was für Frieder als Horrorsommer beginnt, entpuppt sich aber immer mehr zu einer einmaligen Zeit in seinem Leben. Ein Sommer, wie es ihn nie wieder geben sollte.

"Nana nickte. Das Zimmer hatte ein Fenster nach Osten. Die Läden waren halb geöffnet und das Licht fiel in Streifen in den Raum und auf Nanas Kleid, und zum ersten mal sah sie nicht wie Großmutter aus, sondern wie eine Frau. Siebenundfünfzig, überlegte ich. Das hörte sich einerseits echt alt an. Ich hatte auf keinen Fall vor, so alt zu werden. Aber siebenundfünfzig war anderseits für Nana nicht alt. Die Omas der anderen waren siebzig oder achtzig oder hundertzehn oder tot."

Der Schreibstil von Ewald Arenz ist Sprache zum anfassen. Wenn er etwas beschreibt, dann bauen sich die Bilder auch in meinem Kopf auf. Es scheint ganz natürlich zu sein, als würde ich einen Film schauen. Alleine wenn er die Sommerszenerie beschreibt bekomme ich das extreme Verlangen danach, mich in Sommerkleidung zu werfen, den Hund fertig zu machen und einen langen Spaziergang durch den Wald zu machen. Was im Umkehrschluss allerdings eine schlechte Idee ist, wir haben noch März, es ist relativ kühl und der Sommer scheint aktuell noch so weit entfernt zu sein wie ich von einem erfolgreichem Studium in Theologie oder Literaturwissenschaften.

Das Trio rund um Friedrich, seinem besten Kumpel Johann und Frieders Schwester Alma wird einem schnell sympathisch. Es ist ein Dreiergespann und dennoch fühlt man sich, als gehöre man zu ihnen und erlebt diesen Sommer gemeinsam mit ihnen. Verspielt und mit viel Wortwitz begleitet der junge Ich-Erzähler den Leser durch die Geschichte. Doch, wie Frieder selbst sagt, so ein einmaliger Sommer ist eben was einzigartiges. Die Geschichte selbst wird nicht von dem Teenager-Frieder erzählt sondern von dem erwachsenen Friedrich, einem Mann im mittleren Alter, der etwas geistesabwesend an einem trostlosen Herbsttag einen Friedhof besucht und anscheinend vergebens nach einem bestimmten Grab sucht. Friedrich erinnert sich zurück an seine Jugend, immer wieder mal schwenkt die Geschichte aber zurück zur Gegenwart und wir als Leser werden aus dieser sommerlichen Idylle zurück in die Realität gezogen. Zurück in die Welt der Erwachsenen. In eine Welt, wo Pflichten auf uns warten und der Tod, je älter wir werden, ein Teil unserer Gedankengänge und Zukunft wird. So verspielt der Autor in den Erinnerungen des Ich-Erzählers auch ist, genau so schnell findet er auch zu einem ernsteren Tonfall zurück. Dieser Stil richtet sich frei nach dem japanischen Sprichwort "Mono no aware" (Der Pathos der Dinge). Genau genommen bedeutet das übersetzt, alles ist vergänglich und wir erinnern uns wehmütig zurück, haben uns mit der Vergänglichkeit der Dinge aber abgefunden. Und so kam es nicht selten vor, dass ich mich beim lesen öfters an den Film "Tränen der Erinnerung" des Studio Ghibli (Regie Isao Takahata) zurückerinnern musste.

"Wenn sie mich nicht sehen wollte, dann wäre ja alles klar. Und das wäre wahrscheinlich viel besser, als immer nur aus der Ferne verliebt zu sein. Das glaubte ich mir nicht mal selbst. In Wirklichkeit war es tausendmal besser, nicht Bescheid zu wissen und immer wieder hoffen und träumen zu können. Scheiß auf die Realität. Ich würde es lassen. Um dann doch kurzentschlossen zu klingeln."



Abschließende Worte

"Der große Sommer" von Ewald Arenz ist ein Roman, der mich tief bewegt hat. Auch wenn ich nicht aus der gleichen Generation stamme wie der Ich-Erzähler Frieder, so sehe ich die behandelten Themen in dem Roman als völlig zeitlos an. Er ist vielleicht aktuell sogar noch wichtiger. Er erinnert uns an bessere Zeiten. An Freiheit, an Unbeschwertheit und den Teenager ins uns, der nie ganz verschwindet sondern als ungezähmtes, wildes Tier in uns weiterlebt. Und da ist er wieder, der große deutsche Coming of Age Roman, der sich ein wenig rar gemacht hat. Von Beginn an wird man hier in eine wundervolle Geschichte gesogen und wird Teil dieser so vertrauten Clique. Ewald Arenz ist ein großer Erzähler, der uns hoffentlich mit weiteren Romanen dieses Kalibers bereichern wird.

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"Und, klar, es roch nach Regen und warm nach Diesel, als ein Bus vorbeifuhr. Das erinnerte mich ans Meer und die Schiffe. Da roch es manchmal genauso. Dieser ölig-warme Geruch, zusammen mit dem von Wasser. Reisen. Woanders sein. >>Abenteuer. Sansibar oder der letzte Grund.<< Das hatte ich bestimmt fünf Mal gelesen und ich hatte immer gedacht, dass ich auch so ein Junge sei: einer, der einen Kutter auch allein über die Förde steuern könnte. Aber für heute reichte es, einfach durch die Nacht zu fahren, und keiner wusste, wo ich war."

"Wir hatten es geschafft! Wir hatten es wirklich geschafft und auf einmal fühlte sich alles großartig an, und Beate schnaufte atemlos neben mir: >>Jetzt sollst du mich küssen.<<
Ich glaube, dass ich nie wieder so geküsst habe. Dass es nie wieder so einen vollkommenen Augenblick des Rauschs gegeben hat, so eine perfekte Berührung. Beates kühle Lippen, ihr glatter, nasser Körper, ihre lachenden grünen Augen. Wir ließen uns im Kuss untergehen und es war in Wirklichkeit ein Schweben durchs Wasser auf den Grund zu; küssend, bis wir absolut keine Luft mehr bekamen und zusammen aufstiegen. Das war der wirkliche Anfang dieses verrückten Sommers."

Dienstag, 16. März 2021

Review: Cherry

 

Apple TV+








USA 2021

Cherry
Alternative Titel: Avengers im Golfkrieg, Spider-Man Homecoming
Deutscher Titel: Cherry - Das Ende aller Unschuld
Regie: Anthony Russo, Joe Russo
Originalvorlage: Nico Walker 
Darsteller: Tom Holland, Ciara Bravo, Jack Reynor, Michael Gandolfini, Jeff Wahlberg
Genre: Drama, Kriegsfilm, Dark Comedy
Verleih und Stream: Apple TV+
Premiere: 12.03.2021 (DE)
Laufzeit: Circa 142 Minuten
FSK: Ab 18 (laut Apple TV+)




Während ich mir bei den Alternativtiteln des Films einen kindischen Spaß erlaubt habe, so ist der deutsche Titel aber echt. "Cherry - Das Ende aller Unschuld". Während der englische Titel so knackig kurz wie eine Kirsche selbst ist, so ist der deutsche Titel mal wieder eine Vollkatastrophe, der bei unserer an sich schon viel zu ausufernden Landessprache einfach nur unnötiger Ballast ist. Wer auch immer sich diese zusätzlichen Titel ausdenkt; nicht machen, hört sich völlig bescheuert an und schreckt eher interessierte Abonnenten ab, die von dem Film im Vorfeld noch nichts gehört haben. Disney würde vermutlich sagen, hierbei handle es sich um eine sehr verföhnte und unverfrorene Angelegenheit.

Und somit bleibt es ganz einfach bei "Cherry". Da ist er endlich, der erste Post-Avengers Film der Russo Brüder (Anthony und Joe). Ein Kreis schließt sich, der Begriff "Homecoming" ist hier gar nicht so absurd. Geboren und aufgewachsen in Cleveland, kehren die Brüder nach einer Weltenodyssee der Marvel Studious zurück in die Heimat. Und mitgenommen haben sie Adoptivsohn Tom Holland. Obwohl die vielen Superhelden Anspielungen zu Cherry relativ lahm sind, so drängen sie sich förmlich auf. Nicht nur fühlt sich Cherry teilweise wie eine bunte, furiose Adaption eines Comics an, die komplette Botschaft dahinter ist deutlich. Um eine andere Adaption eines bekannten Comics zu zitieren: "Entweder du stirbst als Held, oder du lebst lang genug um der Böse zu werden". Rund 1 Million Dollar sollen es sich die Russo Brüder haben kosten lassen, Autor Nicholas Walker die Filmrechte abzukaufen. Das gleichnamige Buch erschien 2018 und entwickelte sich zum Geheimtipp. Das Buch selbst basiert größtenteils auf den eigenen Erlebnissen von Walker, einem Kriegsveteran der nach der Heimkehr unter PTSB litt, den Drogen verfallen ist und zum Bankräuber wurde, um seine Süchte zu stillen. Walker wurde für seine Vergehen zu 11 Jahren Haft verurteilt, kam aber aufgrund guter Führung 2019 wieder frei. Aktuell arbeitet er sogar an seinem zweiten Buch. Interesse, als Produzent bei der Verfilmung dabei zu sein, gab es nicht, Walker geht sogar noch weiter, er plane nicht, sich den Film anzusehen (wer's glaubt).

Seien wir aber mal ganz ehrlich. Walkers Buch ist Fiktion und nicht autobiografisch. Die Liebesgeschichte gab es meiner Recherche zu urteilen nie und sehr wahrscheinlich wird sich das Leben des sechsunddreißigjährigen nicht wie ein Comicbuch abgespielt haben. Allerdings ist genau dieses Buch der Stoff für Hollywood. Eine amerikanische Geschichte über gefallene Helden und wie sie wieder rehabilitieren. Und genau hier kommen die Russo Brüder ins Spiel die einen Exklusivvertrag mit Apple abgeschlossen und einen Big Budget Film für den Streamingdienst Apple TV+ produziert haben. Dass die Russos zum kleinen Independent-Film zurückkehren würden, dürfte also vermutlich die Übertreibung des noch jungen Jahrzehnts sein, denn Cherry ist auf Hochglanz getrimmt und vermutlich sind die Kapiteleinblendungen im Film bereits so teuer wie ein kleiner Indie-Film. Mit einem Budget von nur 40 Millionen Dollar allerdings auch schon wieder irgendwo ein Schnäppchen, der letzte Film der Brüder war knapp 9 mal so teuer.

Doch wo kann man Cherry denn genau nun einordnen? Die Frage stelle ich mir, seitdem der Abspann lief. Man könnte beinahe meinen, die Russos hätten heimlich das Script von WandaVision gelesen. Denn ungefähr das ist der Stil von Cherry. Hier werden mehrere ikonische Werke als Vorlage genommen, um etwas eigenes zu erschaffen. Der Film beginnt ähnlich wie Trainspotting mit einer Vermählung eines Teenager-Dramas (kurioserweise ist Cherry, sobald die harten Drogen ins Spiel kommen, kein bisschen wie Trainspotting). Beim Kriegsfilm-Segment geht es weiter mit Full Metal Jacket. Bei den Szenen in der Grundausbildung präsentieren die Russo Brüder das Bildformat in bester Kubrick-Manier hier sogar im 4:3 Format. Der Film wird anschließend zu einem waschechtem Drogendrama (aber nicht, bevor Protagonist Cherry noch einmal wie Frank Underwoord aus House of Cards direkt und sarkastisch mit den Zuschauern spricht). Mit einer Laufzeit von rund 142 Minuten (inklusive Abspann) prescht der Film von einem Ereignis zum nächsten. Es gibt praktisch keine Minute im Film, wo nicht irgendwas passiert. In dieser doch beachtlichen Laufzeit hat der Film überraschenderweise wenig bis gar keinen Leerlauf zu bieten, was gleichzeitig die größte Stärke und die größte Schwäche des Films ist. Cherry hat ein ausgesprochen gutes Film-Pacing, allerdings ist dieses so rasant, es schadet dem Film dabei. Besonders holprig wirken hier die einzelnen Charaktere, die trotz des bunten Looks des Films relativ farblos daherkommen. Eine wirkliche Entwicklung der Charaktere gibt es einfach nicht. Sie schlittern von ein Segment in das nächste. So entwickelt sich auch die Beziehung zwischen Cherry und seiner langjährigen Freundin Emily mehr kurios als glaubhaft. Während die Liebe auf den ersten Blick noch halbwegs glaubhaft ist, geht es anschließend so mit den beiden weiter: "Ok wir sind jetzt zusammen, lass uns Sex haben", "Emily macht mit mir Schluss. Es kann nur eine Lösung geben, ich werde mich noch heute und bei der Army einschreiben", "Alles klar, wir steigen von Beruhigungsmitteln auf Heroin um und sind nun Junkies". Natürlich kann sich ein Film für all diese Entwicklungen nicht jedes mal 30 Minuten Zeit nehmen, bis sie für die Zuschauer nachvollziehbar oder glaubhaft sind. Aber Cherry hat dann doch schon ein wesentlich größeres Problem überhaupt auch nur ein Fünkchen Authentizität rüberzubringen. Bis zu einem gewissen Punkt ist das sogar weniger auffallend und fällt nicht negativ ins Gewicht. Sobald das Segment rund um den zweiten Irakkrieg allerdings vorbei ist (welches ruhig hätte länger gehen können und man dafür bei dem Drogen-Segment eingespart hätte) und die beiden Protagonisten zu Vollzeit-Junkies werden, da hat der Film auf einmal große Probleme, sich für eine Richtung zu entscheiden. Und in diesen Momenten hat man große Schwierigkeiten, die Entwicklungen der Charaktere glaubhaft zu erklären.

In diesem letzten Abschnitt schaffen es die Russos nicht, sich für einen bestimmten Stil zu entscheiden. Soll es weiter derben Humor zu ernsten Themen geben oder driften wir in ein schonungsloses Larry Clark Teenager-Drama* ab (obwohl die Charaktere in Cherry glaube ich Twens sind*)? Die Russos haben sich hier eher für den düsteren Stil entschieden, was dem Film eher nicht gut getan hat. Wenn ich die Wahl hätte, ob ich Larry Clark oder Danny Boyle kopieren soll, würde die Wahl für mich nicht schwer fallen wenn mein Film bereits ähnlich wie Trainspotting beginnt.

Schauspielerisch haben die Russos fast ausschließlich auf eine neue Generation an Darstellern gesetzt. Leider kommen auch diese im Film dann, wie schon die Protagonisten, zu kurz. Besonders interessant fand ich Cousin Joe, der hier von James Gandolfinis Sohn Michael gespielt wird (und von dem wir hoffentlich noch viel sehen werden). Mit Jeff Wahlberg hat es auch ein Neffe von Mark und Donnie Wahlberg in den Cast geschafft. Forrest Goodluck kannte man zum Beispiel bereits aus The Revenant oder Dontnod's aktuellem Videospiel Tell Me Why. Aber der Fokus liegt hier natürlich auf die beiden Protagonisten Cherry und Emily, gespielt von Tom Holland und Ciara Bravo. Es hieß vorab, Tom Holland bräuchte mal eine Rolle, wo er mehr aus sich herauskommen könnte. Erst einmal muss ich sagen, ein so junger Darsteller wie Tom Holland hat noch nicht den Druck, sich in solch komplexen Rollen beweisen zu müssen. Als der zweite Golfkrieg losging war Tom Holland vermutlich nicht älter als 7 Jahre alt. Wenn man mich nach der Sichtung des Films aber nun fragen würde, ob Tom Holland Cherry mehr braucht als Cherry Tom Holland, würde ich ohne zu zögern Antwort Nummer 2 wählen. Cherry braucht Tom Holland, denn ohne Tom Holland wäre Cherry vermutlich nur ein sehr verspielter Film, der in der Masse dieses Genre untergehen würde. Der gebürtige Brite hat das Maximum aus dieser Rolle rausgeholt, etwas, was ihm vermutlich viele nicht zugetraut hätten. Ähnlich erging es mir da aber auch bei Ciara Bravo, die hier eine sehr starke Performance abliefert. Die Macken, die der Film hat, sind nicht die Schuld der Darsteller. Zum Beispiel, selbst in den übelsten Drogenexzessen wirkt Cherry leider nie auch nur ansatzweise so dreckig wie beispielsweise Trainspotting. Oder wie wäre es mit einem aktuellerem Beispiel, Climax von Gaspar Noé, der ebenfalls sehr bunt aber für einen Drogenfilm immer noch sehr dreckig und schonungslos ist. Der auf Hochglanz getrimmte Look von Cherry hat seine positiven Aspekte, aber genau wie das Pacing kann man diesen Aspekt dem Film im letzten Abschnitt noch als Kritikpunkt auslegen.




Fazit

Cherry wurde von Kritikern und Zuschauern mit gemischten Gefühlen aufgenommen. Und so ergeht es auch mir. Meine Zeit mit dem Film habe ich auf keinen Fall bereut, allerdings stehen sich die Russo Brüder hier manchmal zu sehr selbst im Weg, da sie sich nicht von ihren filmischen Spielereien trennen können, wenn es angebracht wäre. Hier steckt einfach noch zu viel Marvel in ihnen, was vermutlich nach so vielen Jahren Avengers (die mit Endgame den kommerziell erfolgreichsten Film aller Zeiten hervorgebracht haben) nicht einmal verwunderlich ist. Schaut man sich die kommenden Pläne der beiden Filmemacher an, gehören sie wohl zweifellos noch immer zu den wohl gefragtesten Blockbuster-Regisseuren, die Hollywood derzeit zu bieten hat. Cherry hat und wird daran nichts ändern. Und wieso sollte man darüber auch diskutieren, denn Cherry ist weit entfernt davon, ein schlechter Film zu sein. Es war eine bewusste Entscheidung, die Brüder haben sich schon vor einiger Zeit für diesen Film entschieden. Was bleibt, ist ein interessantes Konzept über einen gefallenen Helden der seine Geschichte in einer Zeitspanne von knapp 20 Jahren erzählt, es der Geschichte aber zu oft an Relevanz fehlt. Die Darsteller hingegen holen aus den doch recht dünnen Figuren das Maximum raus und wissen durchgehend zu überzeugen. Insgesamt dürfte es schwer werden, Cherry richtig einzuordnen. So wird am Ende die Frage bleiben, ob die Russo Brüder hier ein ernstes Kriegs- und Drogendrama abgeliefert haben, oder eine weitere Comic-Adaption. Wer sich eine eigene Meinung bilden möchte, der Film ist seit dem 12.03.2021 frei verfügbar für alle Abonnenten von Apple TV+.

Dienstag, 9. März 2021

Einwurf: Evangelion 3.0+1.0 - You Can Not Watch It

 

Foto: Studio Khara



Mit einer zarten Verspätung von nur knapp 6 Jahren ist endlich der Film in den japanischen Kinos angelaufen, der unter Fans schon mehr oder weniger nur noch ein Mythos aus vergangenen Tagen Jahren war. "The Rebuild of Evangelion"; eine Neuinterpretation eines modernen Anime-Klassikers. Mehr Fortsetzung als Reboot. Ambitioniert, ja, vielleicht ausgestattet mit Überambitionen eines ambitionierten, emotionalen Filmemachers. Die Superlativen könnten ewig so weitergehen und dennoch könnte es der Entstehungsgeschichte dieser neuen Spielfilmreihe von Neon Genesis Evangelion nicht gerecht werden. Studio Khara hat es aber geschafft, sie haben diesen Film, an den schon keiner mehr geglaubt hat, in die Kinos gebracht. "Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time" hat es mit einer brachialen Lauflänge von 155 Minuten in die japanischen Kinos geschafft (sogar minimal früher als vorgesehen). Dies war eigentlich schon für 2020 geplant, aber wir wissen ja, woran das scheiterte. Sind wir aber ganz ehrlich, der sollte eigentlich schon 2015 in die Kinos kommen. Die ambitionierten Pläne von Serienschöpfer Hideaki Anno gingen in die folgende Richtung: Geplant waren 4 bis 5 Filme die in einem Zeitunterschied von 2-3 Jahren erscheinen sollten. Evangelion 3.0 ist in Japan 2012 erschienen. Was wir nun also haben ist keine Lücke von 3 Jahren, nein, wir sind nun alle fast 10 Jahre älter, aber kein Stückchen weiser geworden, was die große Auflösung von NGE angeht. 

Und mit diesen Worten möchte ich zu James Bond schwenken, der keine Zeit zu sterben hat, denn es stehen noch teure Nachdrehs für die Sponsoren an.

Das Kino befindet sich derzeit in einer wenigen komfortablen Position. Auch vor der Pandemie stand das Kino aufgrund seiner teuren Preise natürlich in der Kritik, aber leer waren die Kinosäle sicherlich nie. Die zwei größten Sorgenkinder die Unmengen an Budget bereits gefressen haben und schon Anfang letztes Jahr hätten in den Kinos anlaufen sollen: Black Widow von Marvel Studios und Daniel Craigs letzter Einsatz als 007 - No Time To Die. Der gleichnamige Titelsong von Billie Ellish feierte kürzlich sein einjähriges. Das Marketing für den neuen Bond ist schon jetzt ein absolutes Fiasko nach den ganzen Neuansetzungen des Kinostarts. Doch als dann auch noch die Sache mit den teuren Nachdrehs öffentlich wurde, die teilweise hauptsächlich für Sponsoren in Auftrag gegeben wurden weil die Protagonisten im Film nicht mit einem Handy unterwegs sein sollen, welches aus der Mode gekommen ist, lösten unterschiedliche Reaktionen bei den Fans aus, hauptsächlich auf die Zwerchfellmuskulatur. 20:0 für COVID. Das Virus ist nicht nur gefährlich und beraubt uns unseres alltäglichen Lebens, es macht den mächtigsten Geheimagenten und Ex-Macho der Welt auch zu einer Lachnummer. Selbst Hideaki Anno wischt sich vermutlich gerade den Schweiß von der Stirn, denn der neue Bond hat das beste Potential dazu, ebenfalls erst 8 Jahre nach Ankündigung in die Kinos zu kommen (falls es die dann noch gibt).

Warum bringt man die Filme dann nicht zu Streaming-Anbietern, die derzeit ihre wohl größten Erfolge feiern? Sowohl Netflix, Disney+ sowie auch HBO Max stehen bereit. Aber so einfach ist es nicht da sowohl Disney+ als auch HBO Max zu Disney (Duh) sowie Warner gehören. Netflix würde niemals so viel Geld für den neusten 007 ausgeben wollen und allen voran wollen die Filmemacher und Studios ihre teuren Filme nicht direkt ins Heimkino bringen. Die Filme werden schließlich für die ganz große Leinwand gemacht. Christopher Nolan's Tenet sollte der Film werden, der uns alle zurück in die Kinos bringt. Er sollte sich irren, Tenet wurde letztendlich auch von COVID besiegt, obwohl der Film noch mit einem beachtlichen Einspielergebnis davonkam, welches aber selbstverständlich nicht ausreichte, um die erheblichen Kosten der Produktion einzuspielen.

Wenn Christopher Nolan bereits resigniert und uns nicht zurück in die Kinos bringt, was viele Studios nun auch eingesehen haben, bringt uns sicherlich derzeit keiner dorthin zurück. Und nicht anders verhält es sich aktuell wohl auch mit eine der wohl kostspieligsten japanischen Kinoproduktionen des Jahres 2021. Der finale Evangelion Spielfilm ist in den japanischen Kinos angelaufen..... und wir können ihn nicht sehen.



Kein Zutritt: Die Vorstellung läuft gerade


GIF: Gainax/Studio Khara


Ob die japanischen Fans gerade die heimischen Kinos stürmen, nun, ich bezweifle es. Während die Japaner aber zumindest eine Option haben, bleibt der Westen vorerst komplett ausgesperrt. Deals mit bekannten Streaming-Anbietern scheint Toei nicht gemacht zu haben. Wäre ein direkter Release auf Netflix eine Option gewesen? Die haben mit viel Pomp und Getöse ja die Originalserie sowie die beiden Kinofilme Death & Rebirth und The End of Evangelion in ihr Programm aufgenommen. Aber auch nur die Serie und die alten Kinofilme, die neue Spielfilm Trilogie befindet sich nicht beim Streaming-Anbieter. Überhaupt war die Veröffentlichung von Netflix als relativ kontrovers anzusehen. Das ikonische "Fly me to the Moon" Ending-Theme aus der Serie wurde entfernt, da Netflix entweder nicht die Rechte an den Song bekommen konnte oder aber nicht die Lizenzgebühr dafür zahlen wollte. Der Song wurde durch ein anderes Instrumental-Theme aus der Serie ausgetauscht (Rei I soweit ich mich recht erinnere). Die größte Kontroverse bestand jedoch in den Neuvertonungen, die Netflix in sämtlichen Sprachen mit Ausnahme der japanischen Originalstimmen vorgenommen hat. Netflix holte so einige Anime-Klassiker in sein Programm, aber bei keiner Serie hatte man zuvor solch drastische Änderungen vorgenommen.

Und dennoch, die Hoffnung war da, Netflix könnte sich am Ende als Retter in der Not entpuppen. Die Fans würden den Film vermutlich sogar derzeit ohne Tonspur konsumieren..... auch wenn dies natürlich keine richtige Option wäre. Als Evangelion: 3.0 You Can (Not) Redo 2012 in Japan erschienen ist, war das Internet noch immer nicht dieser zentrale Mittelpunkt, wie es heute der Fall ist. Mit einer weltweiten Fanbase die sich über 25 Jahre lang aufgebaut hat, ist ein Lockout mehrerer Kontinente für das finale der neuen Spielfilmreihe schwer zu erklären. Da ist auch die nette Geste von Studio Khara, die ersten 12 Minuten des langen Films für alle zugänglich zu machen, nur ein schwacher Trost. Man hat damit sogar, natürlich ungewollt, das Gegenteil erreicht. Die Leute wollen nun den kompletten Film, sind sehr hungrig (vielleicht auch etwas durstig, allerdings aus anderen Gründen) auf das vollständige Produkt und begehen nun den Fehler, sich spoilern zu lassen. Sie wollen wissen, wie diese Geschichte endet und in den sozialen Netzwerken rüsten sich die Troll-Weebs hungrige und aus etwas anderen Gründen durstige Evangelion-Fans zu verarschen und auf eine falsche Fährte zu locken. Megumi Ogata (Synchronsprecherin von Shinji Ikari) mahnte schon auf Twitter, Trolle oder Spoiler-Nutzer zu blockieren, damit diese weniger Schaden anrichten können. Doch noch einmal: Wir haben das Jahr 2021 und nicht 2015. Einen Film mit so einer großen Fanbase mehr oder weniger zu verheimlichen ist kaum möglich. Bereits Disney kam mit der ersten Staffel zu "The Mandalorian" in diese unschöne Lage. Als die Serie bereits lief, das Web fleißig darüber diskutierte, aber der Service rund um Disney+ in den meisten Ländern aufgrund der (beispielsweis) EU-Regularien überhaupt noch nicht an den Start gehen durfte. Die Piraterie rieb sich die Hände. Auch wenn der Mandalorianer mit Staffel 2 wieder Rekorde für illegale Kopien gebrochen hat, so ist die Mehrheit der Interessenten noch immer von ehrlicher Natur und zahlt brav sein Disney+ Abo.

Doch wie geht es für Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time nun weiter? Die Antwort darauf zu geben ist nicht einfach. Es wurden vermutlich schon im Vorfeld sehr wahrscheinlich Lizenzen ausgehandelt. In den USA sollte es sogar einen limitierten Kino-Release geben, was daraus nun aber geworden ist, vermag ich nicht zu sagen. Lizenzen werden wohl auch an Filmfestivals vergeben worden sein, doch auch hier dürfte es relativ düster aussehen. Anime und Lizenzrechte, ein Thema für sich da viele Lizenzgeber immer noch recht stur sind. Japan First. Und so ist es auch bei Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time. Wenn es den normalen Weg geht, dann bleibt der Film nun erstmal exklusiv in den japanischen Kinos, erscheint in circa 6 Monaten für das Heimkino und irgendwann 2022 wird er dann auch bei uns zu sehen sein. Die vorherigen Filme erschienen in Deutschland bei Universum (mittlerweile heißen diese Leonine, wieder sieht man einmal, wie viel Zeit seit dem letzten Film vergangen ist) mit einem knapp 1 jährigem Delay nach japanischen Kinostart.

Ob es in Sachen Streaming-Anbieter vielleicht doch noch einen Retter in der Not geben wird und man sich westlichen Fans erbarmen wird, bleibt abzuwarten (und besonders, ob auch Europa davon profitieren könnte, da die lizenzrechtliche Lage aufgrund der vielen Anbieter hier ein einziges Chaos ist). Eine optimale Situation ist es nicht, aber wenn man schon knapp 8 Jahre gewartet hat, auch hier können wir wieder ganz ehrlich sein, kommt es auch darauf nicht mehr an. Extrahieren wir aber den positiven Effekt aus der Misere: Es wird keine teuren Nachdrehs für die Sponsoren gegeben haben, denn Shinji benutzt seit 1995 den gleichen Sony Walkman (im laufe der Zeit wurde aber in den neuen Filmen das Logo der Deutschen Post durch DHL ersetzt. Zu sehen auf Asukas Umzugskisten)!

Mein Tipp an alle Wartenden (zu denen ich auch zähle): Spoiler-Geschossen am besten aus dem Weg gehen, indem man das Stromkabel vom Router entfernt und bis nächstes Jahr nicht ins Internet geht. So schlägt man zwei Fliegen mit einer Klappe, da man hier endlich den seit mindestens 5 Jahren geplanten Internet-Detox mitnehmen kann. Cheers, dankt mir bitte 2022!


Update 10.03.2021: Laut aktuellen Meldungen ist der Film sehr erfolgreich in den japanischen Kinos gestartet!



Hikaru Utada: One Last Kiss (Evangelion 3.0+1.0 Thrice Upon a Time Titelsong

Sonntag, 28. Februar 2021

Rezension: Lovecraft Country (Matt Ruff)

 





USA 2016


Lovecraft Country
Autor: Matt Ruff
Verlag (DE): Hanser
Verlag (EN): HarperCollins
Genre: Dark Fantasy, Rassendrama


Gelesen wurde die englische E-Book Ausgabe von HarperCollins



Bei dem Titel "Lovecraft Country" hat sich der Autor Matt Ruff etwas bei gedacht. Zum einen existiert dieser Begriff wirklich und umfasst reale und fiktive Locations, in denen sich die Geschichten des Weird Fiction Schriftstellers H. P. Lovecraft abspielen. Doch ist der gewählte Titel auch im Bezug noch wesentlich tiefgründiger. So steht der Name Lovecraft nicht nur für fiktiven Horror und surrealer Dark Fantasy, sondern auch für realen Horror. Nämlich Rassismus. 
H. P. Lovecraft war ohne Zweifel ein Mann seiner Zeit (1890-1937). Aufgewachsen in einer konservativen ländlichen Gegend in Providence, teilte auch Lovecraft die Ansichten des damals durchschnittlichen weißen Bürgers. So ist Lovecrafts unterschwelliger Rassismus in seinen Geschichten kaum zu leugnen, hat es seine Fiktion über die Jahrzehnte aber auch geschafft, bei afroamerikanischen Lesern Anklang zu finden. Es ist vermutlich Lovecrafts spätem Weltruhm zu verdanken, dass seine Literatur die Grenzen der Gesellschaft überschritt und man die Geschichten auch losgelöst von politischen Debatten genießen kann. Im Falle von dem Roman von Matt Ruff bedeutet der Titel Lovecraft Country für die Protagonisten also nicht nur eine Reise in diese überwiegend von Weißen dominierten Domänen, sondern auch eine Auseinandersetzung mit Lovecrafts fiktivem Horror. Es wird in jedem Falle "Weird" in Lovecraft Country. Das Problem? Dem Roman von Matt Ruff fehlt entweder ein richtiges Konzept, eine geordnete Struktur oder aber ein richtiger Plot.

Im Interview am Ende des Buches spricht der Autor ein wenig darüber, was ihm die Inspiration zu dieser Idee lieferte. Die Idee selbst begann als Pitch für eine TV-Serie, die später dann zu einem vollständigen Roman wurde, aber teilweise enorm abgeändert werden musste um als klassischer Roman durchzugehen. Die wohl interessanteste Anmerkung ist, die Ursprünge dieser Idee reichen circa 30 Jahre im Leben des Autors zurück. Hier muss allen voran erst einmal angemerkt werden, Matt Ruff ist ein weißer Schriftsteller der einen Roman über die afroamerikanische Kultur in den USA zu Zeiten der Jim Crow Gesetze verfasst hat. Matt Ruff selbst ist 1965 geboren, genau das Jahr, in dem diese scheußlichen Gesetze endlich komplett abgeschafft wurden. Hier liegt eigentlich mein erstes großes Problem mit Lovecraft Country. Die Glaubhaftigkeit. Ich dachte während des Lesens, irgendwann würde ich diese Hürde überwinden, dass hinter diesen vielen Schicksalen im Buch in Wahrheit ein noch relativ junger Autor kaukasischer Abstammung steckt. Bis zum Ende aber konnte ich diesen Gedanken nicht abschütteln. Doch das ist dann eher ein persönliches Problem, so denke ich es mir zumindest. Der Roman ist ohne jede Frage fantastisch recherchiert und die Charaktere nicht nur glaubhaft geschrieben, sie sind auch keine Stereotypen. Vielleicht ist es diese fast schon Perfektion der Recherche (Weißer Autor schreibt authentischen Roman mit farbigen Hauptcharakteren), die mich halt etwas zweifeln lässt. Besonders in diesem Genre haben Autoren afroamerikanischer Herkunft bisher kaum Fuß gefasst. Genau genommen fällt mir mit Octavia E. Butler (1947-2006) sogar nur ein prominenter Name ein.

Inhaltlich denkt man, geht es in Lovecraft Country um den Kriegsveteran Atticus Turner, der in einem Amerika der 50er Jahre das Verschwinden seines Vaters Montrose Turner gemeinsam mit seinem Onkel George und der Kindheitsfreundin Letitia untersuchen will. Die Prämisse von Lovecraft Country ist und bleibt sehr gelungen. Gemeinsam reisen diese drei Protagonisten in das sogenannte, von engstirnigen weißen Männern dominierte, Lovecraft Country ein. Die Grundzutaten einer Lovecraft-Story liegen auf dem Silbertablett. Ein relativ gewöhnlicher Protagonist (der zudem Science-Fiction und Horror liebt) gerät aus seinem Alltag in ein übernatürliches Geschehen. Es gibt einen bösen Kult alter Männer, die etwas noch älteres beschwören wollen und die Gesellschaft vermeintlich aus dem Untergrund unterwerfen wollen. Mit den Braithwhites hat man zudem noch die passenden Gegenspieler. Die Wahrheit ist aber, Lovecraft Country ist eine Sammlung von 8 Kurzgeschichten und einem Epilog, die sich stilistisch alle stark voneinander unterscheiden. Die Rollen von Atticus und seiner Kindheitsfreundin sind zudem weitaus unbedeutender, als man denken mag. Während Letitia komplett in der Geschichte untergeht und mehr oder weniger von ihrer Schwester Ruby verdrängt wird, bekommt zumindest Atticus im Showdown noch seinen großen Auftritt.

Das größte Problem von Lovecraft Country ist die Struktur mit den Kurzgeschichten. Um hier nochmal auf das Interview von Matt Ruff zurückzukommen, es war schon immer geplant, selbst bei dem TV Serien-Pitch, die Story so aufzubauen. Ich wusste von dieser Erzählstruktur beispielsweise nichts und gerade, als die erste Story mit dem gleichnamigen Titel "Lovecraft Country" so richtig an Fahrt aufnahm, war sie bereits vorbei. Das Problem, was die nachfolgende Geschichte "Dreams of the Witch House" danach hatte, war, erneut ein Momentum aufbauen zu müssen. Zwar kommen in den einzelnen Geschichten oftmals die gleichen bekannten Gesichter vor und man kann sich schon früh ungefähr vorstellen, am Ende werden all die verschiedenen Geschichten und Ereignisse zu einem großen Event verschmelzen, bis dahin erzählt aber jede POV-Kurzgeschichte ein anderes Schicksal. Und diese Erzählstruktur wirkt nach einer weile ermüdend, weil kein richtiger Plot zustande kommt. Die Hauptcharaktere bleiben größtenteils relativ blass im Bezug auf dieses große, kommende Event und die Intentionen von Caleb Braithwhite als fiesen, aber charmanten Manipulator und Gegenspieler, bleiben relativ undurchsichtig, weil er keine eigene Geschichte hat, aber diese dringend benötigt hätte. Lovecraft Country bleibt sich hier also treu: Sobald es rund geht, endet die Geschichte und eine neue Geschichte muss wieder mühsam einen neuen Charakter-Plot aufbauen, zudem aber auch gleichzeitig ein wenig die Haupthandlung vorantreiben.

Hieraus entwickeln sich aus diesem größten Problem allerdings noch viele kleinere Probleme. Der Roman ist weder Fisch noch Fleisch. Weder ist Lovecraft Country ein gruseliges Dark Fantasy Abenteuer, noch ist das Buch ein waschechtes Rassendrama. Beide Elemente kommen zu kurz und stoßen sich wie zwei Magnete eher ab. Kaum auszumalen, wie gut beides miteinander harmoniert hätte, wenn der ganze Roman eine einzige, fortlaufende Geschichte gewesen wäre. Während die titelgebende Geschichte eigentlich ein relativ guter Prolog war, knickte die zweite Geschichte mit dem Geisterhaus bereits ein. Die nachfolgende Geschichte "Abudllah's Book" besaß Potential, verlor sich aber in vielen Belanglosigkeiten. Danach folgt aber "Hippolyta Disturbs the Universe", eine Geschichte, in der es um die Ehefrau von George geht. Mit Hippolyta hat man nicht nur eine abenteuerlustige, sympathische Protagonistin mit interessanter Backstory die aus ihrer Rolle als Ehefrau und Mutter schlüpft, es ist auch die, meiner Meinung nach, einzige Geschichte, wo die Genialität von Matt Ruff zum Vorschein kommt. Sie beinhaltet alles, was das Buch gerne die ganze Zeit sein möchte: Ein Abenteuer, welches in einer anderen Welt spielt, Isolation, ein unheimliches Ereignis welches auch die Haupthandlung vorantreibt, unbeantwortete Mysterien und es gibt auch noch ein Monster, welches direkt aus einer Lovecraft Geschichte kommen könnte. Die Geschichte rund um Hippolyta ist für mich der Prototyp dafür, wie Lovecraft Country funktionieren könnte. Wie es nicht funktioniert beweist nämlich direkt die nachfolgende Geschichte "Jekyll in Hyde Park", die sich mit Letitias Schwester Ruby und Caleb Braithwhite befasst. Auch diese Geschichte beginnt noch relativ vielversprechend, wird dann aber von einem furchtbaren Pacing und einer völlig belanglosen Nebenhandlung geplagt. Das Niveau der Hippolyta-Story kann Ruff nicht noch einmal auffahren. Es folgt mit "The Narrow House" eine Geschichte, die die Haupthandlung vorantreibt, ein paranormales Ereignis besitzt und sich zudem noch intensiv mit dem Thema Rassismus auseinandersetzt. Erneut eine Geschichte, die erst auf den letzten Seiten so richtig aus sich herauskommt, aber keine Akzente setzt.
Es folgt mit "Horace and the Devil Doll" eine Geschichte in der Manier von Stephen King, die jedoch Stephen King schon gefühlt 200 mal besser erzählt hat. Die Geschichte "The Mark of Cain" läutet danach den sehr ernüchternden Showdown ein, während der Epilog sich kurz mit den Charakteren nach der Haupthandlung befasst.

Der stets wechselnde Stil sorgt immer wieder dafür, sich als Leser bei jeder neuen Geschichte umstellen zu müssen. Besonders, dass das Buch Dark Fantasy und ein Rassendrama sein möchte, schadet mit Ausnahme der ersten titelgebenden Geschichte und der Geschichte mit Hippolyta allen anderen Stories im Buch, man steht sich gegenseitig im Weg.




Resümee

Lovecraft Country von Matt Ruff ist das perfekte Beispiel, wie ein ambitioniertes Konzept zu übermütig werden kann. Das Buch ist experimentierfreudig und die Charaktere sind gut und glaubhaft geschrieben, einige Geschichten haben sogar Potential, aber letztendlich wollte der Funke nie überspringen. Es ist eine dieser Geschichten, wo man immer wieder einen Wendepunkt erwartet, der alles umkrempelt, dieser aber nie kommt. Am Ende war ich froh, als es vorbei war. Dieses besagte Konzept finde ich, ungelogen, auch weiterhin interessant und hier kommt die noch recht frische, von HBO produzierte TV-Adaption des Buches ins Spiel, die mit einigen Änderungen aufwarten soll. Änderungen, die hoffentlich der sehr ungeschliffenen Natur des Buches zugute kommen. Ja, vielleicht ist Lovecraft Country, wie schon immer vom Autor geplant, eher etwas für den großen Bildschirm. Gut möglich, dass das Konzept als TV-Serie deutlich besser zur Geltung kommt und dann auch das Potential, was es durchaus hat, ausspielt. Als Buch ist Lovecraft Country weder Lovecraft, noch Dark Fantasy und auch kein überzeugendes Rassendrama. Und ich habe das Gefühl, Matt Ruff wollte mit seinem Roman in all diesen Punkten glänzen.

Montag, 22. Februar 2021

Gastrezension: Das Gold des Lombarden (Petra Schier)

 





Deutschland 2017
Das Gold des Lombarden
Autorin: Petra Schier
Verlag: Rowohlt-Taschenbuch
Format: Taschenbuch, eBook
Genre: Historischer Roman


Eigentlich wollte ich rufen, was für ein Glückskind ich sei, da entdecke ich eine neue Buchreihe, tatsächlich über ein Hörbuch, und stelle fest, dass der dritte Band nur wenige Tage zuvor erschienen ist. Reihe abgeschlossen, kann ich in eins durchlesen, perfekt!

Naja, aber 2021 wäre nicht der große Bruder von 2020, wenn an der Sache nicht ein Haken wäre. Bei ein paar Recherchen zu Buch und Autorin bin ich nämlich auf ein Interview aus dem Jahr 2017 gestoßen, wonach es vier Bände geben wird. Einerseits bin ich enttäuscht, andererseits froh, noch nicht mit dieser Geschichte und diesen Charakteren abschließen zu müssen. Und um es nicht bei einfach zu belassen, kommt noch eine dritte Seite hinzu: Ehrlich gesagt beunruhigt mich die Vorstellung eines vierten Bandes, da die Handlung in sich abgeschlossen wirkte, auch mit – von der Autorin beabsichtigten – offenen Enden.

Aber ich nehme das Ende vorweg, daher noch einmal sortiert. 

Also, als ersten Mucks von mir in diesem Jahr gibt es „Das Gold des Lombarden“ von Petra Schier. Ich kannte die Autorin vorher nicht, war eigentlich auf der Suche nach einem guten Hörbuch für lange Autofahrten und dann fiel mir dieses in die Hände – reingehört, nach der Fahrt angekommen, frustriert, dass ich nicht weiterhören konnte, Buch gekauft. Ist einfach so passiert. Wirklich. 

Mit 448 Seiten ist dieses Buch auch kein Leichtgewicht, obwohl es natürlich deutlich umfangreichere Bücher gibt. Und da ich mal wieder Lust auf einen historischen Roman hatte, hatte ich zwei Fliegen mit einer Klappe geschlagen – nicht auf die nächste Autofahrt warten müssen (und ich sage es euch der Kauf war ein Omen, so wie die abergläubische Köchin Ells unheilschwanger tönen würde, denn aufgrund des dann hereingebrochenen Schneechaos‘ ist die nächste Fahrt um mindestens eine Woche verschoben) und ein vielleicht gutes Buch in den Händen halten, an dem man lange lesen kann (oder auch nicht, wir spulen vier Tage vor: Lavandula hat alle drei Bände gelesen. Das lasse ich mal so stehen).

Die Handlung vom „Gold des Lombarden“ ist im Köln des Jahres 1423 angesiedelt. Im Mittelpunkt steht allerdings nicht etwa der Lombarde, Nicolai Golatti, selbst. Der ist nämlich nach den ersten Seiten tot. Stattdessen geht es um seine junge Witwe Aleydis de Bruinker, die gerade ein halbes Jahr mit dem deutlich älteren Mann verheiratet gewesen war. Golatti war Geldverleiher und Münzwechsler und wird erhängt vor den Stadttoren aufgefunden. Für Aleydis ist klar, dass es kein Selbstmord ist und sie erhebt Anklage. Zuständig für den Fall ist der Gewaltrichter Vinzenz van Cleve, mit dessen Vater, ebenfalls einem Münzwechsler und Geldverleiher, Golatti in hartem Konkurrenzkampf lag. Obwohl es ständig Reibereien zwischen Aleydis und van Cleve gibt, arbeiten sie zusammen an dem Fall; darauf hat Aleydis nämlich bestanden und sie stellt selbst Nachforschungen an. Bald kommt ans Licht, dass ihr verstorbener Mann viele Feinde hatte, da er bei weitem nicht der war, der er zu sein vorgab. Aleydis gerät immer tiefer in einen Sumpf aus Lügen und weiß irgendwann nicht mehr, wem sie überhaupt noch vertrauen kann.

Der Schreibstil ist sehr leicht und gut zu lesen. Manchmal werden Bezeichnungen eingestreut, deren Bedeutung möglicherweise nicht direkt geläufig ist und es ist zu beobachten, dass sich der Sprachstil im Verlauf des Buches wandelt von einem bemüht angepassten „auf alt getrimmten“ Stil hin zu einem moderneren, der allerdings noch immer zeigt, dass es ein historischer Roman ist und nicht etwa eine in der Jetztzeit angesiedelte Erzählung. Insgesamt ist die Sprache bildlich, aber nicht zu blumig: Man bekommt eine gute Vorstellung von Personen und Orten aber es wird auf langatmige Beschreibungen oder blumige Vergleiche und Ausschmückungen verzichtet.

Die Handlung ist in sich schlüssig, auch wenn mir sehr schnell klar war, wer für den Mord verantwortlich ist. Aber keine Sorge, das ist nicht allzu offensichtlich, weder zeigt die abergläubische Ells mit dem Finger und schreit „Mörder!“, noch gibt die Autorin – die eigener Aussage nach lange Zeit selber überhaupt nicht gewusst haben will, wer es nun war – einen klaren Hinweis. Vielleicht ist das Buch an manchen Stellen ein klein wenig zu modern geraten, vor allem Aleydis schwankt sehr stark zwischen sehr durch ihre Zeit geprägten und fast schon zu modernen Ansichten, was ihren Charakter nicht zur Gänze durchdacht wirken lässt.

Nun ist für mich das (spät-)mittelalterliche Köln auch kein ganz unbekannter Handlungsort und auch auf diesem Blog habe ich bereits diesen Boden betreten mit einer früheren Rezension. Das greife ich an dieser Stelle auf, weil mir ziemlich viele Parallelen zwischen diesen beiden Büchern aufgefallen sind; es sind für mich zu viele um bloßer Zufall zu sein. 

Zunächst einmal haben wir die beiden Hauptcharaktere, Aleydis de Bruinker und Vinzenz van Cleve. Sie ist eine junge Frau, verwitwet, gutes Verhältnis zu Stiefmutter und Vater, von dem sie dessen Gewerbe lernen durfte, sie ist intelligent (gut, niemand mag Heldinnen, die nicht intelligenter als ein halber Meter Feldweg sind … obwohl es die auch gibt und diese Bücher oder Serien teilweise unglaublich erfolgreich werden … doch ich schweife ab), ihrer Zeit in vielen Dingen voraus, selbstbewusst. Auf der anderen Seite steht van Cleve, dunkel, zunächst ist seine Einstellung Aleydis gegenüber unklar, schleppt ein großes Geheimnis mit sich herum, das zu guten Teilen für seine aktuelle Situation verantwortlich ist, ziemlich gut in allem, was er so kann.

Na, klingelt’s?

Falls nicht, ein paar weitere Hinweise: Weitere Familienkonstellationen sind sehr ähnlich, wir haben die allgegenwärtigen Gassenjungen, die natürlich gern gesehen sind, Beginen, praktischerweise direkt vor der Haustüre des Golatti’schen Anwesens gelegen, wir haben Orte, die an anderer Stelle schon in sehr großer Rolle auftauchen und hier Erwähnung finden, ohne dass es unbedingt nötig gewesen wäre: das Kloster Groß Sankt Martin (das gab es tatsächlich) sowie den Beginenkonvent am Eigelstein (den könnte es gegeben haben; allerdings frage ich mich, weshalb ausgerechnet dieser genannt werden muss, wo es doch so viele davon im mittelalterlichen Köln gab). Und zuletzt sind da noch ein paar Begriffe, auch wenn ich dafür in den zweiten und dritten Band vorweggreife: „Ei wei“ fällt und der Hinweis auf eine hornhäutige Seele.



Resümee

Ich weiß weder, ob das Zufall ist, oder ob die Autorin die andere Reihe kennt und es in Anlehnung geschrieben hat. Es erinnert mich ein wenig an die „Bis(s)“-Reihe und „Shades of Grey“: Ich bin das Gefühl nicht losgeworden, dass die Lombarden-Reihe eine Art Fanfiction zur Reihe um eine gewisse graue Begine und ihren schwarzen Pater ist, und wie in oben genannten Reihen geht es auch beim Lombarden weniger keusch zu als in der Geschichte um die graue Begine – aber nur ein wenig.

Und auch wenn ich jetzt so lange darüber philosophiert habe: Fanfiction hin oder her, „Das Gold des Lombarden“ ist ein gutes und wirklich lesenswertes Buch, ebenso wie die beiden Folgebände „Der Ring des Lombarden“ und „Die Rache des Lombarden“. Zwar kommt das Krimigeschehen hier etwas kurz und der Fokus liegt sehr stark auf der Situation die sich zwischen Aleydis und van Kleve entspinnt, aber dennoch ist es spannend bis zum Schluß.
Ob es nun einen vierten Band geben wird, kann ich nicht sagen, dazu habe ich verschiedene Hinweise gefunden, aber sollte das so sein, wird sich auch ein weiteres Jahr warten definitiv lohnen. Ansonsten schließt die Reihe in sich rund und schlüssig ab, und die oben bereits erwähnten offenen Enden sind wie das echte Leben, auch dort klärt sich nicht immer alles.

Wer übrigens nur einmal hineinschauen will: Die drei Bände sind in sich abgeschlossen und könnten auch unabhängig voneinander gelesen werden. Mit kurzen unaufdringlichen aber aufschlussreichen Rückblenden werden in den Folgebänden die bisherigen Ereignisse noch einmal zusammengefasst. Das soll bitte nicht dazu animieren, sich nur den zweiten oder dritten Band heraus zu picken, aber man muss es nicht machen wie ich sondern kann durchaus die Reihe nach Abschluss eines Bandes ruhen lassen und später weiterlesen. Aber eine Chance geben sollte man diesem Buch auf jeden Fall, wenn man auch nur im Ansatz auf historische Romane, Mittelalter und ein klein wenig Krimi steht.
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Gastrezensentin: Lavandula


Lavandula gehört zum Kult der Bibliophilen und ist neben dem Studium selbst immer mal wieder als Autorin unterwegs, sofern die Zeit es zulässt. Ungefähr in einem Spektrum wie die Zeitsprünge in "Lumera Expedition: Survive" versuche ich sie bereits für einen Beitrag auf "Am Meer ist es wärmer" zu gewinnen. Ich hoffe, mit ihrem frischen Schreibstil wird sie den Blog noch häufiger bereichern.

Dienstag, 16. Februar 2021

Rezension: Erste Person Singular (Haruki Murakami)

 




Japan 2020


Erste Person Singular
Originaltitel: Ichininshō Tansū
Autor: Haruki Murakami
Deutsche Erstveröffentlichung und Verlag: 25.01.2021 beim DuMont Buchverlag
Übersetzung: Ursula Gräfe
Genre: Kurzgeschichte, Slice of Life, Mystery
Format: Hardcover, E-Book


Es geschah einige wenige Wochen vor Veröffentlichung von Haruki Murakamis neuster Kurzgeschichtensammlung. Ich ging zu Bett und irgendwann träumte ich von Phil Collins (und ich habe mit Ausnahme einiger weniger Songs absolut nichts mit Phil Collins am Hut). Ich befand mich auf einem -anscheinend- Kreuzfahrschiff und Phil Collins gab ein Open Air Konzert an Deck. Er sang, auch daran erinnere ich mich noch bestens, mir gewidmet eine speziell arrangierte Version von "In The Air Tonight". Ich weiß noch bestens, wie mich ein Schauder überkam weil mich diese neu arrangierte Version von seinem vermutlich bekanntestem Hit so sehr berührte. Obwohl ich mir bewusst war, dass es ein Traum ist, war ich umso verwirrter, wie mein Verstand einen solch bekannten Song so dermaßen umbauen konnte und es sich trotzdem noch immer gut anhörte. Würde man mich heute fragen, wie dieses spezielle Arrangement denn nun klang, würde ich in Bedrängnis kommen da ich bereits nach dem öffnen der Augen die Melodie komplett vergessen hatte. Und so zuckte ich kurz zusammen, als ich in "Erste Person Singular" auf einmal die Geschichte "Charlie Parker Plays Bossa Nova" vorfand, wo es um eine fingierte Musikkritik eines Studenten geht, der über ein Album des früh verstorbenen Jazz Saxophonisten Charlie "Bird" Parker schreibt, welches gar nicht existiert (und laut der fingierten Kritik auch nach seinem Tod erschienen ist) und dieser ihn Jahrzehnte später zu einem Privatkonzert in einem Traum aufsucht.

Die kurze Zusammenfassung dieser Kurzgeschichte (natürlich gibt es noch wesentlich mehr mysteriöse Ereignisse in dieser Geschichte) fasst Murakamis neue Anthologie eigentlich perfekt zusammen. Es wird wieder mal seltsam und doch seltsam vertraut. In 8 Kurzgeschichten von unterschiedlicher Länge geht es allen voran um Gedichte, die sich um Enthauptungen drehen, um mysteriöse alte Männer und um einen sprechenden Affen in Schlabberklamotten. Doch der Kern hinter diesen kuriosen Prämissen ist deutlich realistischer, als man annimmt. Haruki Murakami befasst sich wieder einmal mit extrem zeitgenössischen Themen unserer Gesellschaft. Er schreibt über das älter und alt werden, über Sehnsüchte, verblassten Erinnerungen.. Jede Geschichte wieder einmal ein Unikat. Während ich die Anthologie las, surfte ich im Netz nach Meinungen zu dem Buch von anderen Lesern und war sehr gespannt, wie andere Leser die jeweiligen Geschichten aufgenommen haben.

"Haruki Murakami sind endgültig die Ideen ausgegangen. Nun kommen da schon sprechende Affen drin vor."

Das ist die ungefähre Wortwahl, die eine Rezensentin von sich gab. Obwohl sie ja angeblich ein eingefleischter Fan sei, sei der sprechende Affe von Shinagawa letztendlich zu viel für sie gewesen. Murakamai muss senil geworden sein, immerhin ist er schon 72 Jahre alt. Da wir uns in der Lebenserwartung zurückentwickeln hat Murakami also das Alter einer Galapagos Schildkröte. Anscheinend verblassen aber auch die Erinnerungen von uns, da "Bekenntnis des Affen von Shinagawa" eine Fortsetzung der Story "Der Affe von Shinagawa" aus der Anthologie "Blinde Weide, schlafende Frau" ist. Eine Anthologie, die der DuMont Verlag bereits 2006 in deutscher Übersetzung in den Handel brachte. Also keine Angst, liebe Rezensentin, Haruki Murakami ist nicht senil, sein Gedächtnis funktioniert sogar noch ausgezeichnet und er führt diese abstrakte Geschichte wundervoll fort. Der Affe, (ich vermute einen japanischen Makake dahinter) dem von seinen kinderlosen Besitzern das Sprechen beigebracht wurde und sich ständig in menschliche Frauen verliebt und ihnen ihre Namen klaut, der feiert in "Erste Person Singular" sein trübseliges Comeback, arbeitet als Servicekraft in einem Onsen und erzählt einem Gast bei einem kalten Glas Bier seine Lebensgeschichte. Natürlich endet auch diese Geschichten wieder einmal in einen aberwitzigen Twist, den ich hier allerdings nicht verraten werde.

Der Affe von Shinagawa steht sinnbildlich für Murakamis Ideenreichtum in dieser Anthologie. Nun kann man ihm vielleicht vorwerfen, wieder einmal alte Themen wie melancholische Ich-Erzähler, klassische Musik und geheimnisvolle Frauen aufzuwärmen, aber, ehrlich gesagt, wenn man seit über 40 Jahren Autor ist, ist es unmöglich, sich immer wieder neu zu erfinden. Man blicke auf andere bekannte Autoren wie zum Beispiel Stephen King, der ebenfalls mit bekannten Stilmitteln seit Jahrzehnten seine Romane und Kurzgeschichten verfasst. Murakamis deutsche Leserschaft wünscht sich stets den unbeschwerten Murakami zurück (der Murakami vor 1Q84, wenn man es dann so sagen möchte), der über unheimliche Ereignisse, Frauen und Musik schreibt. "Erste Person Singular" bringt all diese Elemente auf eine wunderbare weise zurück, ohne aber auch nur ein einziges mal Murakamis Weg zu leugnen, den er beispielsweise mit "1Q84" oder "Die Pilgerjahre des farblosen Herrn Tazaki" bestritten hat. Stilistisch gesehen unterscheidet sich "Erste Person Singular" aber erheblich von Murakamis letzter Anthologie "Von Männern, die keine Frauen haben" (2014 beim DuMont Buchverlag). In seiner neuesten Anthologie sind die Geschichten an sich leichter, kürzer und unbeschwerter. Die Situationen der jeweiligen Ich-Erzähler basieren meistens auf sehr alten Erinnerungen, die auf Schlüsselmomente in ihrem Leben basieren. Doch nicht alles scheint hier Fiktion zu sein. Auch autobiografische Elemente sind immer wieder vorhanden. Da muss man nicht einmal lange suchen, denn "Gesammelte Gedichte über die Yakult Swallows" basiert mehr oder weniger auf Murakamis eigenen Erinnerungen. Deutlich wird dies natürlich mit seiner Liebe zum Baseball und dem angespannten Verhältnis zu seinem Vater, über jenes er hier sehr offen redet. Es ist vielleicht eine Geschichte, die besser in seine Essaysammlung "Von Beruf Schriftsteller" gepasst hätte, aber für Fans des Autors dürfte dies dennoch eine mehr als interessante Anekdote aus der frühen Schaffenszeit von Murakami sein.

Das größte Problem ist, wo soll man so eine persönliche Geschichte unterbringen? Zum Beginn könnte man damit eher Leser verscheuchen, zum Ende hin würde ein wirkliches fiktionales Highlight fehlen. Und so könnte es sein, dass "Gesammelte Gedichte über die Yakult Swallows" vielleicht komplett untergeht, da zuvor mit "With the Beatles" Murakami vielleicht eine seiner stärksten Kurzgeschichten überhaupt abgeliefert hat. In dieser Geschichte geht es übrigens lediglich nur bedingt um die Beatles, ist ihre Musik aber doch ein elementares Schlüsselerlebnis für den namenlosen Ich-Erzähler.
Murakamis größte Stärke in der Anthologie sind wieder einmal gewöhnliche, alltägliche, ja, beinahe schon völlig belanglose Situationen, fantastisch zu erzählen. Beinahe schon bildlich hatte ich die Szenen sämtlicher Kurzgeschichten vor dem geistigen Auge. So hörte ich den Affen von Shinagawa praktisch schon reden, synchronisiert von dem bekannten japanischen Synchronsprecher Koichi "Bazooka" Yamadera. Auch die letzte, titelgebende Kurgeschichte (Die Murakami speziell für diese Anthologie verfasst hat) spielte sich bereits beim lesen komplett filmisch in meinem Verstand ab. Diese wundervolle, bildhafte Sprache hat Haruki Murakami bis heute nicht verlernt und eher nochmal perfektioniert.

Prinzipiell hätte jede Geschichte mit Ausnahme von "Gesammelte Gedichte über die Yakult Swallows" das Potential, der Auftakt zu einem neuen Roman von Murakami zu werden. Dieses Vorgehen ist bei dem Autor ja auch gar nicht mal untypisch wenn ich da an "Die Chroniken des Aufziehvogels" oder "Sputnik Sweetheart" zurückdenke, die allesamt auf Kurzgeschichten basieren. Das vielleicht größte Potential hegt für mich aber die titelgebende finale Geschichte "Erste Person Singular". Es ist die, wenn ich mich nicht verzählt habe, kürzeste Geschichte der Anthologie und im wahrsten Sinne des Wortes "Kafkaesk". Ein nameloser Ich-Erzähler der sich anscheinend in einer Identitätskrise befindet und in einer Bar eine seltsame Frau kennenlernt, die ihn zutiefst hasst, aus Gründen, die er sich nicht erklären kann. Praktisch auf dem Höhepunkt endet die Geschichte und der Leser wird nicht minder verwirrt sein wie der Erzähler selbst. In meinem Kopf spinne ich die Geschichte weiter, aber über eine offizielle Fortsetzung würde ich mich sogar sehr freuen.

Für die wieder einmal gelungene Übersetzung war erneut Ursula Gräfe am Werke, die ja seit etlichen Jahren den Murakami-Stil uneigennützig in die deutsche Sprache überträgt. Wie also seit vielen Jahren üblich wurde dieser Titel aus dem Japanischen übersetzt.



Resümee

Vor etwas über 10 Jahren hat alles mit Haruki Murakami und einigen anderen japanischen Autoren auf "Am Meer ist es wärmer" angefangen. "Erste Person Singular" ist allen voran eine Anthologie mit Kurzgeschichten, die alle ein gemeinsames Thema umfassen. Erinnerungen. Erinnerungen und resümieren. So kam auch ich beim lesen dieser Geschichten nicht umhin, wie es in meinem Leben die letzte Dekade so lief, zog eine Bilanz und stellte für mich fest, wie essentiell wichtig es für mich war, diese Geschichten zu lesen.

Eine Bilanz, die auch Haruki Murakami zu ziehen scheint. Älter werden war immer ein Thema in den Werken des Autors. Es machte immer den Eindruck, als fürchte er sich davor und blicke wehmütig auf die Zeit zurück, als er dieser junge Mann war, der auf einer Wiese liegend, ein kühles Bier trinkend sich unbeschwert ein Spiel seiner Baseballmannschaft ansieht. Mit 72 Jahren scheint der Autor aber seinen Frieden mit dem Alter geschlossen zu haben, hat den Verlauf des Lebens akzeptiert. Die 8 Geschichten in "Erste Person Singular" verbinden den Jungen Mann mit seinem jetzigen Ich. Die Geschichten sind verspielt, humorvoll und geheimnisvoll. Gleichzeitig aber auch reif und auf den Punkt gebracht. So schreibt ein Autor, der nach all den Dekaden noch immer Spaß an seinem Beruf hat.

Wenn ich zum Abschluss eine Empfehlung abgeben darf: Nie mehr als zwei Kurzgeschichten an einem Abend lesen. Diese auf sich wirken lassen und am nächsten Abend so weiter zu machen. Am besten ist es, man sieht diese Geschichten, jede einzelne von ihnen, als Märchen und Mythen an, die in unserer Gegenwart spielen. Als Belohnung dafür erhält man eine tröstende, wärmende Lektüre für den trüben Jahresauftakt, in die man sich verlieren kann.
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"Ich glaube, dass die Liebe der Brennstoff ist, der uns am Leben hält. Vielleicht endet die Liebes eines Tages. Oder sie trägt Früchte. Aber selbst wenn die Liebe verblasst, selbst wenn sie verschwindet, bleibt uns die Erinnerung, jemanden geliebt zu haben. Und diese Erinnerung wird uns zu einer kostbaren Quelle der Wärme. Ohne diese Wärmequelle würden die Herzen der Menschen - und auch die der Affen - sich in eine kalte und unfruchtbare Ödnis verwandeln, auf die kein Sonnenstrahl fällt, wo weder Blumen des Friedens noch Bäume der Hoffnung wachsen. Hier in meinem Herzen bewahre ich die Namen der sieben schönen Frauen, die ich einst geliebt habe," Der Affe legte die Hand auf seine behaarte Brust. "Sie sind der Brennstoff, der mich in kalten Nächten wärmt und mir hilft, den Rest dieses Menschenlebens durchzustehen.
Wieder lachte der Affe leise und schüttelte ein paar mal den Kopf.
"Wie widersinnig, so etwas zu sagen - Menschenleben -, wo ich doch gar kein Mensch bin, hahaha."
- Bekenntnis des Affen von Shinagawa

Freitag, 29. Januar 2021

Einwurf: Es war einmal..... ein Zombie im Kaufhaus: Die blutige Rehabilitation von Dawn of the Dead in Deutschland

 




Eine lange Überschrift die ein wenig an die vielen Schnittfassungen des Films erinnert. So gibt es von Romeros Kultfilm aus dem Jahr 1978 eine als Director's Cut vermarktete Fassung, die mit rund 140 Minuten Laufzeit zu Buche schlägt und in den USA die wohl beliebteste Fassung des Films darstellen soll. Wie viel dahinter steckt, ist eine andere Geschichte da George Andrew Romero (1940-2017) für diesen Cut wohl genau so wenig Sympathien hegt wie für den in Europa berüchtigten Argento Cut des Giallo-Maestro Dario Argento.

Während die vielen Filmfassungen von Zombie aka Dawn of the Dead inklusive den kleinen Geschichten dahinter mittlerweile mindestens genau so interessant sind wie der eigentliche Film, möchte ich etwas lokaler bleiben und auf die lange, düstere Vergangenheit des Films in Deutschland eingehen. Seit seiner deutschen Veröffentlichung im Jahr 1979 hatte der Film es konstant mit den Behörden zu tun. Uncut-Fassungen wie die US-Kinofassung (die in Europa weitaus weniger bekannt war) oder der Argento Cut wurden bundesweit beschlagnahmt, andere Fassungen wurden wiederum gekürzt und indiziert oder nachträglich beschlagnahmt. Anhand der nahezu unzähligen deutschen Fassungen (darunter eine menge nicht lizenzierter Bootlegs) ist es für den gewöhnlichen Konsument kaum noch nachvollziehbar, wie viele Fassungen in den letzten Jahren eingezogen worden sind. Bei einem Film, der an sich schon mehrere Schnittfassungen besitzt die sich alle signifikant voneinander unterscheiden, ist das Fassungswirrwarr der deutschen Veröffentlichungen ein zusätzliches Paket, welches die Kaufhaus-Zombies tragen müssen. Sofern man es "Kult" nennen kann, so geht dieser "Kult" dann auch bei der Namensgebung im deutschsprachigen Raum weiter. So ist der von mir angeprangerte Titel "Zombies im Kaufhaus" in Deutschland vermutlich bekannter als "Dawn of the Dead". Aber selbst alternative Titel schützten den Film nicht vor den deutschen Jugendschützern. So gingen die bundesweiten Beschlagnahmungen ende der Jahrtausendwende weiter und das Amtsgericht Tiergarten zog weitere Fassungen ein. Wie immer muss eine Beschlagnahme begründet werden und wenn ein Film in Deutschland aufgrund von Gewaltverherrlichung eingezogen wird, wird eine Stellungnahme abgegeben, die auf Anfrage für den Bundesbürger jederzeit verfügbar ist. Ein Nutzer in der OFDb hat einen dieser Beschlüsse in der Datenbank geteilt: Beschlagnahmebeschluss vom 01.03.2000

Der absurd strenge Jugendschutz und somit die Bevormundung Volljähriger reichte in Deutschland noch weit in die 2000er Jahre hinein und hiermit möchte ich nicht sagen, dass sich die antiquierten deutschen Richtlinien gegenüber Medien wie Filme, Videospiele und Musik komplett geändert haben, aber seit einigen Jahren kann man wahrlich sagen, durchlebt Deutschland ein Zeitalter der künstlerischen Freiheit. Bleibt nun nur noch die Frage, ob Filme, Videospiele etc. nicht schon von vornherein bei ihrer Produktion so stark angepasst werden, dass sie auf jeden Markt problemlos angeboten werden können. Aber, und so fair muss man sein, es hat sich was getan bei dem Prüfverhalten der USK/FSK sowie den Beschlüssen der BPjM. Der Giftschrank der Behörden leert sich. Zahlreiche beschlagnahmte oder indizierte Filme und Videospiele in Deutschland werden wieder freigegeben. Sei es aufgrund einer Listenstreichung durch Ablauf der 25 Jahre auf dem Index oder durch Neuprüfungen der Verleihe. Ein Film muss natürlich neu geprüft werden und eine gültige Freigabe erhalten, um tatsächlich als "Rehabilitiert" zu gelten. Die wohl prominenteste Listenstreichung bis dato dürfte dann wohl im Jahr 2016 mit "Tanz der Teufel" (The Evil Dead) in die Wege geleitet worden sein. Damals bundesweit über Jahrzehnte beschlagnahmt, mittlerweile frei verfügbar für alle Jugendliche, die das Alter von 16 Jahren erreicht haben. Die Absurdität des deutschen Jugendschutzes kann man auch an wesentlich aktuelleren Filmen ausmachen wie "Wake of Death" mit Jean-Claude Van Damme aus dem Jahr 2004. Im Jahr 2009 in der ungeschnittenen Fassung auf dem Index gelandet, im Jahr 2017 durch eine Neuprüfung ungeschnitten ab 16 Jahren freigegeben, was allerdings dem deutschen Verleih Splendid nicht so sehr in die Karten spielte, da man eine "Ungeschnittene Langfassung" gerne an Volljährige verkaufen wollte. Also mussten Trailer auf die Disc, die die Altersfreigabe künstlich in die höhe trieb. Dass so etwas auch nach hinten los gehen kann, hat vor einiger Zeit erst "Schulmädchen-Report" bewiesen, der schmuddelige Kultfilm aus Deutschland aus dem Jahr 1970. Anstelle einer angestrebten Rehabilitation von Seiten des Verleihs ist die BPjM jetzt noch einmal besonders hellhörig geworden und lehnt sämtliche Anträge auf Listenstreichungen ab. Die Gründe dafür kann man sehr einfach recherchieren.

Für Romeros Zombie-Epos war es aber ein deutlich längerer Weg. Rund 40 Jahre führte der Film in Deutschland ein kurioses Dasein auf schummrigen Filmbörsen, Import-Shops und gekürzt in deutschen Kaufhäusern, bis ein Gerichtsurteil im April 2019 den Weg für eine Rehabilitation frei gemacht hat. Im starken Kontrast zu den hier genannten Filmen "Tanz der Teufel" oder "Wake of Death" bleibt Zombie in Deutschland nur für Volljährige zugänglich. Aber dies dürfte wohl im Interesse aller Beteiligten sein, da sonst vermutlich auch eine gewisse Magie verschwinden dürfte, die dem Film immer anhaftete. Die Magie der "Verbotenen Speise". Koch Media nahm sich in Deutschland dem Film an und wird an sich schon genügend Probleme gehabt haben, den Leuten zu verklickern, dass der Film nun unzensiert ab 18 Jahren freigegeben ist und es sich hier nicht um eine weitere, stark gekürzte Fassung handelt.

Doch wie rehabilitiert man einen Filmklassiker, der Jahrzehntelang auf dem Index stand? Ich denke, Koch Media wird mit seinen Aufklebern schon wissen, dass sie damit viele Leute erreichen werden. Der geneigte Film-Nerd wird von der Listenstreichung sowieso schon vorher gewusst haben. Und einige Unbelehrbare gibt es ja schließlich sowieso immer. Die viel wichtigere Frage war jedoch, welche Fassung wird Koch denn lizenzieren? Die US-Kinofassung? Den Argento Cut? Vielleicht beide? Um die Spannung aufzulösen: Es ist der Argento Cut. Es dürfte die in Europa wohl immer noch bekannteste/beliebteste Fassung mit dem meisten Wiedererkennungswert sein. Wie es rechtlich aussieht, weiß ich gar nicht. Ich bin mir nicht sicher, ob Koch hier wirklich eine Wahl hatte.
Doch vielleicht muss man erst einmal klären, was der Argento Cut überhaupt ist.





Dario Argento zählt auch heute noch zu den wohl bekanntesten und herausragendsten Filmemachern und Produzenten aus Italien. Argento beteiligte sich mit der an der Produktion von Zombie und sicherte sich zudem ein Recht auf eine eigene Schnittfassung. Auch bekannt als Euro-Cut besitzt Argentos Schnittfassung mit Ausnahme von Großbritannien das Monopol in Europa, was die Vermarktung von Romeros Film angeht. Die Unterschiede beider Fassungen sind erheblich und man kann hier nicht von marginalen Änderungen eines neomodischen Extended-Cut sprechen, der aus Marketing-Gründen entstanden ist. Genau genommen ist die Schnittfassung von Argento sogar um einige Minuten kürzer als die Fassung von George Romero (die hier der eigentliche Director's Cut ist). Man hat es hier mit zwei unterschiedlichen Visionen zweier sehr unterschiedlicher Filmemacher zu tun. Das erste, was Argento aus dem Film geschmissen hat war Romeros Soundtrack, der gemeinhin gerne als "Fahrstuhlmusik" bezeichnet wird. Argento ersetzte den Soundtrack durch völlig neue Tracks seiner langjährigen Weggefährten für seine eigenen Filme, der italienischen Prog-Rock Band "Goblin". Ziel von Argentos Fassung war es, Ballast aus dem Film zu nehmen, ihn flotter zu machen und den Splatter mehr in den Vordergrund zu stellen. Argento schnitt konsequent viele Szenen aus seiner Fassung, die zu viele Dialoge beinhalteten. Romeros bekannte Gesellschaftskritik musste daher auch einiges Federn lassen. Und obwohl ihm einige Futterneid vorwarfen (aufgrund der etwas aufwendigeren Produktion des EuroCuts), da Romeros Meinung zu Argentos Schnittfassung eher negativ war, so ist die Kritik von Romero natürlich nicht aus der Luft gegriffen (das Verhältnis der beiden Filmemacher scheint es jedoch nicht belastet zu haben, da beide Herren 1990 für den Anthologie-Film "Two Evil Eyes" noch einmal zusammengearbeitet haben). Fakt ist aber, beide Fassungen haben ihre Daseinsberechtigung. Trotz der kürzeren Laufzeit befinden sich dafür im Argento Cut auch Szenen, die in der US-Kinofassung fehlen. In diesem Sinne hätte ich mich natürlich sehr gefreut, wenn Koch beide Fassungen lizenziert hätte. Denn eines kann man mit Sicherheit sagen, zumindest in Deutschland ist Zombie noch eine rund 40 Jahre alte Jungfrau, die sich erstmals von Muttis Rockzipfel gelöst hat und alleine in den Urlaub darf. Es gibt so viel auszuprobieren. In dem Sinne kann es aktuell etwas als ernüchternd angesehen werden, dass es derzeit anscheinend nur den Argento Cut bei uns gibt. Das soll natürlich die Freude nicht schmälern.

Wie geht es nun weiter? Ich kenne die Planung der Verleihe natürlich nicht und weiß dementsprechend auch nicht, ob man das Kapitel Zombie auf dem deutschen Markt noch weiter melken wird. Theoretisch könnte man noch gefühlt 200 verschiedene Mediabooks mit unterschiedlichen Filmfassungen bringen. Doch wichtig ist nur, Zombie aka Zombies im Kaufhaus aka Dawn of the Dead ist endlich frei. Das Kapitel kann man ja mehr oder weniger nun als abgeschlossen bezeichnen. Doch da fehlt noch immer ein Romero-Zombie. Nämlich "Day of the Dead" aus dem Jahr 1985 (und für mich sogar das stärkste Werk des Regisseurs). In Deutschland noch immer bundesweit beschlagnahmt. Die Aussichten? Gar nicht mal so gut. Die Gewalt in Day of the Dead ist deutlich drastischer und besser gemacht als noch im Vorgänger. Auch von Romeros üblichem Humor ist hier nicht so viel erkennbar. Wenn bereits der Vorgänger noch mit einer FSK 18 in Deutschland daherkommt, wird es Day of the Dead noch einmal deutlich schwieriger haben, auf dem deutschen Filmmarkt wieder bzw. erstmals Fuß zu fassen. Aber wie immer gilt in Deutschland, ein Schritt nach dem anderen. Das 40 jährige Jubiläum von Day of the Dead ist gar nicht mehr so viele Jahre entfernt.

Montag, 4. Januar 2021

Eine emotionale Ansprache zum Jahresbeginn 2021 von Aufziehvogel

 



Liebe Leserinnen und Leser von Am Meer ist es wärmer,


es ist offiziell so weit, der Blog hat seine ersten 10 Jahre auf dem Buckel und wird nun in sein elftes gehen. Und noch immer ist er nicht abgesoffen!
Das neue Jahrzehnt begann "bescheiden", um es zärtlich auszudrücken. Die Jahreszahl wird vermutlich nur noch in Geschichtsbüchern auftreten. Was 2021 für uns bereithalten wird, wird sich erst noch zeigen müssen und ich glaube, wir zerbrechlichen Wesen sind die einzigen, die es in der eigenen Hand haben, wie das Jahr einen besseren, normaleren Verlauf nehmen könnte.

Letztes Jahr im Februar verkündete ich eine lange Pause vom bloggen und ich möchte mich an dieser Stelle für die vielen privaten Nachrichten, Erwähnungen und alles was dazu gehört, bei denjenigen bedanken, die mir zugesandt wurden und ich nur hoffen kann, dass ihr alle gesund, aber vor allem auch motiviert ins neue Jahr gestartet seid. Darüber hinaus geht ein ganz großer Dank und die besten Wünsche an Lavandula, die Gast-Autorin, die im vergangenem Jahr Am Meer ist es wärmer mit ihren Rezensionen unterstützt hat (und auch noch sehr erfolgreich, um das anzumerken) und hoffentlich auch dieses Jahr wieder dabei sein wird (und vielleicht als feste Autorin hier einsteigen möchte, wozu ich sie immer noch überreden will).

Und wie sehen die Pläne des Aufziehvogels aus? Wie man an den letzten zwei Beiträgen hoffentlich erkennen kann, ich bin wieder zurück an der virtuellen Schreibmaschine. Größtenteils wird dies sogar wieder schriftlich geschehen. Zwar habe ich eine menge Spaß an dem "Meercast", aber bereits die Ausgabe zu "Die Chroniken des Aufziehvogels" hat mir so viele Scherereien bei der Produktion beschert (und vermutlich ein Magengeschwür) und der Ertrag war so immens gering, dass ich das geplante Murakami-Special erst einmal auf Eis gelegt habe. Die Aufnahme des letzten Meercast ist leider von einer suboptimalen Aufnahmequalität geplagt, obwohl ich mit dem Inhalt selbst relativ zufrieden bin. Aber auch hier gab es einige Leute, die mir sehr aufbauendes Feedback gesendet haben und ich mich dafür bedanke. Aber insgesamt wird sich nicht all zu viel ändern und neue Rezensionen und Einwürfe sowie Specials wird es größtenteils nur schriftlich hier auf dem Blog zu lesen geben.

Wie immer werde ich vieles spontan schreiben und mir keinen großen Plan machen, der besonders jetzt in dieser unsicheren Weltlage vermutlich sowieso nicht funktionieren würde, da besonders Neuerscheinungen immer mal wieder auf unbestimmte Zeit verschoben werden können.

Und so hoffe ich, ob altbekannte Leser oder frisch gestrandete, hier auf Am Meer ist es wärmer ein wenig die Ruhe genießen und etwas vor der Realität flüchten zu können; sei es vor gefährlichen Viren, überlauten, trampelnden wie kegelnden Nachbarn und schlechtem Kabelfernsehen.

Generell soll man ja etwas tiefer stapeln, aber 2021 beginnt, zumindest weltlich gesehen, schon einmal besser als 2020. In wenigen Tagen wird nämlich ein neuer Präsident ins Weiße Haus in D.C. einziehen.


Bleibt gesund und geht es entspannt an,
Aufziehvogel